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samedi 23 juillet 2022

IMAGINAIRES MILITANTS, conférence au Centre Tignous d'Art Contemporain pendant l'exposition URBANITÉ VERTE

IMAGINAIRES MILITANTS

Noémie Sauve 7 juillet 2022- Centre Tignous d’Art Contemporain 

Montreuil


Je remercie Julie Sicault Maillé commissaire de l’exposition Urbanité Verte et le Centre Tignous d’Art Contemporain de m’avoir invité.


Je présente dans cette exposition une série de 4 dessins intitulée: 

« La faim Terrassant le Symbole », 

« à la recherche des sols fertiles »


Cette série imagine un retour des pratiques agricoles sous la tour Eiffel. Une faune et une flore sauvage y rejoint celle plus urbaine déjà implantée et des présences clairement cultivées et domestiquées. Au premier plan un mouton que l’on devine au bord des rails de labours et un tas de pavés amassés plus loin. Un sécateur au premier plan, posé à côté des fourmis et des fleurs dans d’autres porosités elles, encore carrelées.


Une fraiseuse rejette les sols en arrière, à côté des plaques de bitume, des oiseaux dans les plants rangés. 


Deux vaches à corne près d’une souche de greffes en couronnes parquées avec une caisse en bois en attendant la récolte des arbres fruitiers organisés en palmettes horizontales qui servent de clôture et au delà desquels les tranchées de culture re-dessinent une perspective sous le symbole parisien, la courbe du parc remonte à droite pour redevenir la voûte qu’elle est déjà à cet endroit. Car ce sont d’abord des dessins d’observation.

(TOUTE EIFFEL 1889 un peu plus de 2 ans de construction pour l’ exposition universelle de Paris et célébrait le centenaire de la révolution française)


Cette série illustre le fantasme d’une terre nourricière non polluée qui serait conservée sous les pavés des villes. Imaginer qu’une terre isolée d’une dégradation urbaine ou agricole est une terre protégée c’est une manière assez symbolique de concevoir une « conservation » et donc assez symbolique de concevoir une solution écologique. 

On n’isole pas le vivant qui, isolé ne s’active plus, s’épuise génétiquement et ne s’adapte plus puis doit souvent être géré comme on maintien des récifs coralliens artificiels et leurs conditions de survie localement avec un effort qui devrait être infini. l’émerveillement des vies autonomes sauvages qui évoluent indépendamment de nos organisations nous soulagent.


Dans le dernier dessin, un cep de vigne couché pour se dédoubler dans une nouvelle jeunesse par marcottage attend d’obtenir de nouvelles boutures racinées de part et d’autres de lui-même. Le territoire fait plus friche sans clôture même si une rangée de salade indique à nouveau une perspective au delà de la butte où marchent poules et poussins. j’ai appuyé quelques traits de graphites pour signifier un vivant microscopique au milieu des espaces trop clairs de papier blanc.


Blanc c’est aussi la couleur du cheval de Saint Georges qui lui terrassa le dragon (au IVè siècle en Libye), un autre semblant d’inébranlable, mais ce n’est pas l’histoire de Saint Georges qui m’intéresse, c’est comment le symbole peut bouger et aussi qui porte cette action symbolique. 


Le Saint? L’ artiste?


Difficile de déplacer nos mentalités, de changer nos manières de voir ce qui nous entoure, d’observer le paysage que l’on doit « classer », organiser pour le lire et pour immortaliser encore ce TOUT VIVANT, dans une autre idée de conservation. Quand le héros ou l’héroïne c’est encore nous. Et quand ce héros ou cette héroïne écrit le récit à partir de sa solution, de son œuvre, toutes les vérités sont subjectives, et c’est peut-être le risque et la qualité de l’art de nous le dire. Mais quand les sujets concernent les enjeux écologiques et climatiques comment accueillir ces qualités subjectives? L’artiste qui sauve le monde isole à son tour des morceaux de terrains complexes. Mais comme la science, c’est bien trop gros TOUT ÇA pour sortir des échantillonnages et des protocoles, alors on œuvre à notre échelle dans des petits prélèvements attendrissants isolés qui ne sont jamais aussi justes que ce qu’est le vivant.


J’ajoute une question que je me pose sur les risques de la création d’images ou de formes qui s’emparent de ces questions d’écologie:


Si l’artiste est un spécialiste comme un autre, alors est-ce que ce qu’il crée ne devient pas aussi, au même titre qu’une trouvaille, qu’un article, qu’une enquête, quelque chose qui nous donne l’impression que « c’est géré », « qu’on s’en occupe »? de quoi vraiment , on ne sait pas. 

C’est la case « spécialiste »

Mais si cet artiste est diffusé c’est qu’à priori son sujet est pris au sérieux, intéresse et qu’il rentre dans ce champ de réflexions qui compte de fait. Mais qu’est ce qui existe? Et pour qui? Un sujet à aborder plus tard? Une solution trouvée par un artiste qui sauve le monde? Une idée capable de calmer notre éco-anxiété? 


Dans une partie de mon travail je fabrique des armes: épées, dagues, couteaux… Ces armes sont décorées de figures animales comme des totems sauvages ré-appropriés là où la force symbolique semble nous manquer. Ces armes ont donné lieu -à la ferme du bois Landelle à Hudimesnil- il y a 15 jours à une discussion intitulée « l’animal, le paysan et la faucheuse » sur les solutions d’abattage des animaux d’élevage avec le fondateur de l’Abatt’mobile en Normandie Christophe Osmont, l’éleveuse bovine Lise Pignol et Marie Pleintel du Ravitaillement qui est le lieu d’art et de pratiques rurales à Gavray sur Sienne qui m’a invité à exposer (exposition « préhension » en cours jusqu’à fin août). Je n’ai jamais reçu autant de messages de personnes intéressées par ce rdv qui me demandaient s’il était enregistré. Sur place des agriculteurs qui se sont déplacés mais très peu de monde comparé à l’emballement sur le sujet. Mais ce genre de rdv fantasmé ne rend pas compte de la réalité de ce qu’il est. L’Abatt’mobile n’est pas le premier projet d’abattage mobile à la ferme qui cherche à répondre à des prises de consciences contemporaines de souffrance animale, souffrance des éleveurs, de souffrance de stress de transports et d’un circuit de l’abattage dépassé et en bout de chaîne autoritaire stricte qui conclue assez mal des exigences de santé publique. 

Du coup que renvoie ce type d’annonce d’événement? Est-ce que ces personnes intéressées ont pensé y trouver des réponses? pensaient pourvoir comprendre mieux un sujet caché? avaient envie d’en savoir plus sur une solution qui existe alors qu’elle est encore seulement en projet depuis des années? Dans les faits, ce rdv a surtout servi à exposer les difficultés de la mise en place de modalités qui doivent creuser un sillon dans une terre bétonnée. Malgré les prises de consciences… Les gestes luttent et les paysans se découragent dans un quotidien de fatalités.

Tout en nous nourrissant toutes et tous.


Donc, je reprends;

l’artiste sauve le monde à travers une œuvre forte symbolique et subjective qui donne à voir ensemble quelque chose. Une forte portée symbolique donc, didactique pourquoi pas, elle ponctuera une démarche sainte inconsciente et nécessaire de se mêler à un flux vivant précieux insaisissable tout en étant sa représentation officielle et signée… mettons…


Alors

Quels sont les risques de cette œuvre qui a l’air de « s’en occuper »?


Y a-t-il des œuvres au pouvoir passif et d’autres au pouvoir actif? et si oui comment?

Il me semble que cette question est à ramifications multiples mais pour faire court je choisis de me poser la question de l’image, du geste et de la pensée en même temps.


ça donne ça:

Est-ce que l’image qui nous projette dans une action mentale assouvit cette action?

regarder simplement 

Est-ce que reconnaître des choses agencées de manières différentes nous permet de penser autrement et d’imaginer de nouveaux actes? exercice mental de mise en rapport visuel

Est-ce que représenter sans mots les choses nous fait sortir d’une efficacité traître, corrompue à une mécanique sociale hors de notre définition d’être vivant? (faire image plutôt que mots quoi)

Est-ce que imaginer des gestes qui n’existent pas nous projette dans une capacité d’anticipation plus forte? (inventer)

Est-ce qu’imaginer des probabilités d’existence nous permettent plus de choix ?

etc…


Voilà un exemple de questions qui lient l’image au geste et à la pensée.


En m’invitant moi-même ou en étant invitée sur des terrains divers, il m’a semblé nécessaire de comprendre les éléments didactiques dans ma palette de création. Que ce soit en me permettant des dessins d’observation, des illustrations de scènes ou de choses à comprendre, ou en me reposant la question des matériaux qui m’environnent dans la vie ou à l’atelier. Je devais les actualiser pour que le vicieux quotidien dissimulateur ne m’empêche pas de repenser ces choses plutôt que de les voir encore comme acquises dans mon paysage qui fonctionne tout seul.

 

Ces façons de faire ouvrages ont donné parfois lieu à des « inventions techniques » mais aussi à des protocoles de recherche.

L’imaginaire est la première phase de ce protocole. Il me permet d’introduire la curiosité tout en maintenant le mystère. Quand je pars sur Vulcano ou sur la barrière de corail je dois les fantasmer pour que ces images rencontrent les autres étapes et que je ne perde pas un potentiel langage d’introduction plastique d’un sujet étudié. Ensuite j’étudie pour ne pas prendre totalement à zéro les échanges avec les spécialistes associés à ces résidences (l’idée que la création ne part pas de zéro à la fois dans mon histoire et dans cette de ce que j’explore). Ce protocole personnel me permet de me mettre mentalement en éveil sur des potentiels nouveaux rapports pour des potentiels nouveaux gestes.


cette dernière phrase est d’ailleurs aussi le moteur de base de mes projets attenants à ma pratique artistique et mes engagements. multiplier les mises en rapport avec aussi des œuvres d’autres artistes comme dans le projet OUVRAGES FANTASMER LE MONDE imaginé avec Ada Yu et Aymée Darblay et une vingtaine d’artistes à Coco Velten en 2021 pendant le congrès mondial de la nature à Marseille ou encore via le projet du Fonds d’Art Contemporain Agricole de l’association Clinamen située maintenant à La Courneuve.

Et dont 2 pièces sont exposées ici dans « Urbanité Verte »


Et c’est là qu’arrive donc le chapitre :

« œuvre active et activation des œuvres »

Il y a 10 ans avec l’un de mes collectifs (Jolly Rogers, architecture improvisée en matériaux de récupération) nous avons fabriqué une bergerie temporaire sur le parc de Saint Germain en Laye, cette rencontre a été le point de départ de la création de l’association Clinamen dans laquelle je suis bénévole en tant que pilote du projet du FACAC / Fonds d’Art Contemporain Agricole dont le but est de récolter des œuvres d’artistes, le plus souvent qui passent par la ferme, mais pas seulement, qui s’intéressent aux pratiques agricoles et à ses thèmes, ses enjeux attenants. domestication, paysage, brevetage du vivant, écologie…etc

Ces œuvres associées à un terrain, qui sont parfois des textes, des maquettes d’architecture, des objets de design, des recherches, des photos etc… proposent ces récits subjectifs associés à un savoir autodidacte, l’observation de spécialistes, de spécificités définies ou décloisonnées.


Ce fonds d’art contemporain est associé à un fonds d’archive de l’association qui récolte aussi les création des bergères et bergers en transhumance, des témoignages écrits, photographiés ou dessinés de la vie de l’association comme un accouchement assisté par téléphone sur parvis de la basilique pendant les foires de Saint Denis à Noël depuis les cuisines de la ferme.


Julie-Lou Dubreuilh, dernière fondatrice habitante sur place à La Courneuve raconte dans un article récent (du magazine gout je crois):


« Un jour, alors qu’on fabriquait une bergerie pour le copain d’un copain, j’ai eu une « conversation » avec une vieille brebis. Elle me disait d’ouvrir le portail car son troupeau n’avait plus rien à manger. J’ai ouvert l’enclos, je les ai accompagnées dans la forêt de Saint Germain, elles ont marché derrière moi, elles étaient très sages, je me suis sentie hyperbien à la tête du troupeau. Ça te réhabilite l’égo un truc pareil. Je me suis liée d’amitié avec un bélier, celui-là même qu’on a partagé à l’Aïd (fête du sacrifice dans l’Islam, l’un de nous était musulman). Ça m’a fait un choc de manger un animal que j’aimais. Je me suis dit qu’il fallait que tout le monde connaisse cette expérience, car on se nourrit de son histoire autant que de l’aliment. »


J’ai l’impression que l’histoire, ces histoires essayent de compter à nouveau. Elles pénètrent les spécialités doucement et confondent les lignes. 


Et puis encore ce besoin, il me semble de ré-identifier des composants de nos vies. Ce que l’on mange, comment, par qui, que l’on élève où? de quelle manière, que l’on tue comment? Dans quelles conditions? C’est quoi avoir faim? C’est quoi manger? manger ce que je reconnais? Ce que je connais? ce qui a été invisible? De quoi est composée la ferme qui me nourrit et quelles sont ses matériaux, ses matières, quel est son matériel? bergers, bergères, moutons, laine, légumes, foin, laine, terre, poules, ses pollutions et ses besoins…


Les artistes viennent y trouver tout ça, y cultiver des courges à contraindre comme Ivana Adaime Makac une des premières artistes en résidence à la ferme. y prendre des toisons brutes, des photos ou des semences paysannes non stérilisées à diffuser comme moi-même !


Le projet du FACAC a été voté en 2017 lors du bilan annuel de l’association. depuis 2019 plusieurs dizaines d’ouvrages ont été récoltés et la première exposition d’une partie du Fonds a eu lieu il y a un an grâce au collectif ENOKI en ballade samedi prochain dans cette programmation deJulie Sicault Maillé et du Centre Tignous et à Pascal Mouisset co-commissaire de l’exposition Honky Tonk Fields. Sylvain Gouraud y présentait son film D'ici, de là qui est un film réalisé à l’occasion d’une résidence hors les murs du Centre Pompidou dans le territoire du Centre Ouest Bretagne avec un petit groupe d'agriculteurs qui ont décidé de se réunir pour discuter de l'impact de leurs pratiques sur le paysage. 


Il faut croire de le groupe PNL est décidément la parfaite incarnation de nos mélancolies actuelles car nous retrouvons leurs musiques à la fois dans la BO du film de Sylvain Gouraud mais aussi comme inspiration du titre de l’exposition « Le Monde Sinon Rien » à laquelle je participe actuellement à la Biennale de design de Saint Etienne dont les commissaires sont Sophie Pène et Benjamin Graindorge et j’en profite pour faire une transition sur un autre enjeu important: nos apprentissages. Enjeux qui m’intéressent à la fois en tant qu’artiste et en tant qu’enseignante à l’école supérieure d’art et de design TALM Le Mans et à Montreuil aux atelier Paul Flury.


Voici le texte de présentation de l’exposition écrit par Sophie Pène / Learning Planet Institute et Benjamin Graindorge /École supérieure d’art et design de Saint-Étienne


Le monde, sinon rien montre les travaux d’une jeune génération que rien n’arrête. Au sortir de deux ans de pandémie, les catastrophes s'enchaînent. Les tempêtes, les inondations, les sécheresses et les grands-feux révèlent notre empreinte sur la planète. Les risques géopolitiques s'élèvent à une rare intensité et se déploient en scénarios terrifiants. Tout ça, uniquement à cause de nous et personne ne semble savoir comment sortir de l’engrenage. 

Pourtant, de jeunes chercheur·e·s s’y emploient pragmatiquement. On les croirait parfois hors du monde parce qu’ils et elles privilégient le laboratoire ou l’atelier de création. On les découvre néanmoins terriblement dans le monde par leur sensibilité, par leur âge, par leur place dans une histoire écologique qui les met en première ligne dans une planète où la vie est en grand danger.  

L’énergie, le courage et l'intelligence habitent cette génération. Elle a tout : l’intuition, le désir d’agir, la créativité, la solidarité. Elle n’a besoin que de la flamme qui se maintient dans une école, une université ou un laboratoire. Une flamme qui naît des rencontres et de la permanence. Une école, c’est un lieu de recherche durable, qui conserve des savoirs et d’où l’on peut voir plus loin, un lieu où l’on peut se tromper sans qu’un cataclysme soit provoqué, un lieu collectif où l'on est soutenu par des enseignant·e·s et des pair·e·s, un lieu qui accepte qu’un travail ne soit pas efficace et prenne du temps, un lieu que l’on quitte mais où l’on peut revenir et garder une attache.

C'est ça Le monde, sinon rien, deux lieux qui se rassemblent et qui dessinent un territoire ouvert, qui osent poser l’exigence d’une mutation de notre monde. Une école de biologistes et de physicien·ne·s qui rencontre une école d’artistes et de designers. Ensemble, en créateur·ice·s et en traducteur·ice·s,ils et elles prennent le temps de métisser leurs lectures du monde pour des réponses plus justes, plus vraies. Le monde, sinon rien c’est un désir d’enquête, c’est l’écoute d’une polyphonie, c’est une proposition de diplomatie pour qu’êtres humains et autres vivants retrouvent comment vivre ensemble.

Pour revenir au FACAC, qui tout comme Clinamen, d’ailleurs également exposée à la Biennale dans cette exposition, sont en pleine transformation de fond. Je ne prendrai pas encore une heure pour vous expliquer ce qui s’y passe, mais nous sommes en train d’expérimenter et de projeter des nouveaux usages au sein de ces projets. à suivre…


Enfin, 

pour finir et pour revenir à cette série exposée ici; c’est aussi l’idée fantasmée que nos besoins rendent possibles d’autres organisations même sous l’inébranlable (tour Eiffel, dragons etc.)… Et même si elles sont un certain retour du lâcher prise, au soutien d’un rythme de la nature qui s’adapte. Peut-être seule garantie d’une indépendance du vivant à long terme si on en croit Michel Pichon- chercheur océanographe spécialiste des coraux avec qui j’écris mon épisode bonus des visites virtuelles de ma résidence TARA PACIFIC et pour qui les coraux symbiotiques de profondeur pourraient aider au réensemencement naturel des zones plus hautes qui connaissent les terribles épisodes de blanchissement que nous connaissons entraînant une immense dégradation de la biodiversité marine.

Je remercie Anne de Malleray qui a dirigé le numéro 19 de la revue Billebaude dans lequel a été publié en octobre 2021 un entretien entre nous 3 sur ce sujet intitulé « le refuge crépusculaire ».

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